Comment aborder la composition musicale et quelles sont les clés pour réussir à créer ses propres morceaux ?

La façon d'aborder la création musicale a beaucoup changé ces dernières décennies. Ce qui n'a pas changé, par contre, c'est la structure de la musique. Quel que soit le style musical, la structure est restée la même depuis des siècles. Un morceau de musique est composé d'une introduction, d'une partie narrative et d'une partie conclusive. Entre les 3 il y a un point culminant, souvent répété, qui est émotionnel et mélodique. C'est le moment clé de l'œuvre musicale. Créer sa propre musique au XXIᵉ siècle est une affaire de maîtrise des technologies modernes. Pour transcrire ses idées en morceau de musique structure, il y a pléthore d'outils technologiques qui viennent en supplément des instruments. Toute cette technologie aide le compositeur à exprimer son inspiration pour toucher le plus grand nombre.

Quelles sont les étapes essentielles pour réussir une composition musicale ?

La première étape dans le processus de création musicale est certainement l'inspiration. L'inspiration peut venir de n'importe où. Cela peut être une personne, une ambiance, une couleur, une forme ou une sensation. Des multiples sources d'inspiration, le créateur musical va créer une mélodie. C'est un moyen d'exprimer ce qu'évoque chez lui l'idée qui s'est formée. Les poètes s'expriment avec des mots, mais le compositeur s'exprime avec des sons. Ce sont ces sons qui sont structurés pour former une pièce de musique cohérente.

Comment passer de l'idée initiale à la structure complète d'un morceau (mélodie, harmonie, rythme) ?

Un morceau de musique moderne se compose de plusieurs parties qui sont structurées de manière à former un tout harmonieux.

• Il y a au début une introduction dont le rôle est de mettre l'auditeur dans l'ambiance et lui faire deviner le développement du thème principal.
• Ensuite, si c'est un morceau qui sera accompagné de paroles, de la partie narrative. C'est le couplet. Si le morceau est destiné à être purement instrumentale, le couplet prendra la forme d'une progression harmonique qui amènera vers le point culminant.
• Puis vient le point culminant qui exprime le but du morceau. Dans les chansons, c'est le refrain qui est souvent répété.
• Entre le couplet et le refrain, il y a une transition harmonique qui prépare l'auditeur au refrain. Ça s'appelle le pont.
• À la fin du morceau, il y a la partie conclusive qui ressemble à l'introduction, mais son but est de terminer la pièce.

La structure totale d'une pièce musicale permet de raconter l'histoire que veut exprimer le compositeur.

Pourquoi l'arrangement et la réécriture sont-ils des phases cruciales dans le processus de composition ?

Le but d'une composition musicale est de raconter une histoire. Pour y arriver, le compositeur se sert de tous les artifices à sa disposition. La première ébauche est un assemblage de ses idées. La prochaine étape est de peaufiner son œuvre pour y apporter de la qualité. C'est là qu'intervient l'arrangement. Il permet d'équilibrer les différents instruments afin de rendre la création plus fluide.

Quels outils et ressources facilitent la composition musicale aujourd'hui ?

Durant les grandes heures de la musique classique, aux XVIIᵉ et XVIIIᵉ siècles, les compositeurs couchaient sur papier, les notes qui formaient la structure de leurs musiques. Les compositeurs de musique d'aujourd'hui ont une structure qui est sensiblement différente, et utilisent des outils modernes pour créer. Les instruments traditionnels, l'ordinateur et, plus récemment, l'intelligence artificielle, aident les compositeurs à développer leurs morceaux plus rapidement. Les logiciels informatiques jouent un rôle très important dans la création musicale. Néanmoins, tous les morceaux suivent une structure particulière.

Quels logiciels, instruments ou applications peuvent aider à écrire, enregistrer et arranger une musique ?

Au XXIᵉ siècle, la technologie aide à la composition, à l'enregistrement et à l'arrangement de la musique. On a la possibilité, grâce à certains programmes informatiques et aux applications, de mixer différents sons pour arriver à une pièce parfaitement structurée. Les digital audio workstations (DAW) ou stations de travail audio numériques, permettent de faire tout ce qu'on avait besoin de faire avec des appareils volumineux qui nécessitaient plusieurs musiciens et des techniciens, il n'y a pas longtemps. Il est aujourd'hui possible de faire tout ce travail sur un téléphone ou une tablette, avec des applications mobiles. De nombreux DAW sont utilisés dans des studios par des professionnels de la musique. FL Studio, Audacity ou Appleton Live sont utilisés dans le hip-hop, la house ou la musique électronique.

Comment utiliser les banques de sons, les samples et les outils collaboratifs pour enrichir sa création ?

Dans les années 80, des créateurs ont commencé à mixer des échantillons de sons existants pour faire une nouvelle création. La technique du sample a pris de l'ampleur avec le succès du hip-hop. Aujourd'hui, cette technique n'est pas limitée au hip-hop et à la musique électronique. Une grande part de la musique moderne utilise le sampling. Les sons peuvent être des extraits de chansons, des voix ou même de bruits. Il y a même des banques de sons qui sont disponibles pour procéder à des expérimentations. C'est devenu un outil puissant dans la création d'œuvres musicales. Les samples sont modifiés. Le tempo est ralenti ou accéléré et s'intègre dans une large partie des morceaux qu'on peut retrouver dans les charts internationaux.

Où trouver l'inspiration et comment développer sa créativité en composition musicale ?

Avec les nouveaux logiciels, on peut arranger une gamme d'accords pour composer une œuvre. Il semble que la seule limite est l'inspiration. L'inspiration vient de nombreuses sources. Au début, ceux qui composent la musique, s'inspiraient de leurs expériences dans le monde. Aujourd'hui, on trouve l'inspiration dans la nature, en écoutant des sons différents ou encore en lisant de la poésie. Pour développer sa créativité, il est nécessaire d'expérimenter avec des accords, des sons et des rythmes.

Quelles techniques permettent de surmonter le syndrome de la page blanche et de stimuler l'imagination ?

La hantise des créateurs est le syndrome de la page blanche. Ne plus trouver d'inspiration est un mal qui affecte tous ceux qui essaient de créer quelque chose de nouveau. Une des techniques pour combattre ce syndrome est de varier ses activités. Se concentrer sur un seul projet finit par lasser. Il faut un équilibre entre travail et détente pour arriver à développer sa capacité à relancer son activité de composition.

Pourquoi l'écoute active de différents styles musicaux et l'expérimentation sont-elles essentielles pour progresser ?

Pour stimuler sa créativité, il faut être ouvert à toutes les formes de musique. Écouter d'autres styles est une bonne formation pour l'oreille musicale. En étant exposé aux autres sonorités, on a la possibilité de comprendre ce qui inspire les autres. On peut alors procéder à une analyse de tous les rythmes assimilés et trouver ce qui nous intéresse.

En suivant toutes les étapes de la composition musicale, on peut arriver à exprimer ses idées et sa créativité dans des créations originales et vraiment inspirantes.